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Katie Ruiz, a Chicana artist whose journey from a dual-cultural upbringing to becoming a celebrated craftivist embodies the transformative power of art, will be the focus of Art, Power, Equity’s (APE) latest initiative. APE—an arts-based enterprise promoting equity, access, and opportunity in the creative economy—announced a series of three artist residencies this summer, continuing their “Curator-in-Residence” partnership that began in 2021. Ruiz, known for her captivating blend of paintings, fiber sculpture, and her groundbreaking community initiative, the Pompom Project, will take center stage in this collaborative effort. In this interview, she shares her experiences, struggles, and the evolution of her artistic vision, emphasizing the significance of community and collaboration.
Embracing Cultural Diversity Through Art
Katie’s background as a Chicana artist is deeply interwoven with her work. She traces her roots back to Los Angeles, where she spent her early years before moving to Arizona at the age of 11. Raised in a bicultural environment with a mother of European descent and a Mexican-born father from Tijuana, Katie navigated the complexities of her identity through her art. Reflecting on her upbringing, she recalls, “During that time, in the 90s, there was no Chicano Studies, there was nothing like that. So I didn’t even really realize that I was a Chicana.” The stark difference in cultural exposure between LA and Arizona prompted her to recognize the absence of diversity in certain places, shaping her into what she terms as an “activist artist” or a “Craftivist.” Katie’s journey as an artist began early; she took her first drawing class at the age of six, encouraged by her supportive family. “Luckily, my mom was very much supportive of whatever my dream was,” she explains. This support laid the foundation for her artistic career, influencing her deeply intertwined relationship with her cultural heritage and life experiences. As she aptly puts it, “I paint what I know and I paint my own culture and my own life.”
Growing up in a dual-cultural environment, she navigated the complexities of her identity through her art. “I became comfortable with who I am as a mixed-race person when I started allowing myself to let the craft and textile art into the painting part. My work now showcases all parts of me and the gifts of weaving, crochet, painting, rug testing—all of it.”
Breaking Stereotypes and Making Room for Authenticity
Her art challenges traditional norms and encourages others to find their voice. “People call me brave sometimes, but I think it’s about breaking my own rules and boxes. Why do I have to make the skein of yarn into a blanket? Why can’t it just be beautiful the way it is?” She continues, “I used to think, I have to make this into something, or this has to become a painting, or it’s not valuable unless I put 300 hours of time into it and suffer. As an artist, people feel that you have to suffer. Breaking all those weird stereotypes that really do not serve us is liberating. It’s also important just in my own life as I grow as a person,” Katie reflects.
Her journey as an artist has been one of constant questioning and redefining established norms. She states, “Trying to be a better person by breaking out of learned systems that I just accepted my whole life—Is that even true? Do I even agree with that? Is that right for me? And a lot of times, the answer is no.”
The Power of Community in Art
Katie’s belief in the power of community is central to her artistic practice. “Another silly rule that I had was that I had to be alone in my studio all the time making work and I had to sacrifice everything to be an artist. When asked to do what I was doing at home on a larger scale. I said, ‘Yeah, but I’m gonna need help. There’s no way I can make 1,000 pom poms by myself.'”
This led to the realization of the importance of community in art. “The pom pom project showed me that I didn’t know how important that community was. The pandemic hit, and we pivoted to take-home kits and Zoom meetings. People at home making pom poms felt good to make something for someone else, to work together on a bigger project. It was healing.”
Katie describes the profound impact this had on her and others: “People started thanking me, hugging me, crying—literally healing from making pom poms. This is bigger than me. This is for the community. Everyone needed it. We need to connect, we need to communicate. That is the intervention. It’s really hard to hurt or kill someone who is your neighbor.”
Inspiration and Inclusivity
Katie’s installations are not just about the creation process but also about inspiring those who witness them. “When people see the installation, it’s fun and light-hearted. Yarn is soft, and softness helps you be soft. It’s colorful and fuzzy, and when they hear that a lot of people helped create it, they want to get involved.”
She understands that not every artwork will resonate with everyone, but for those it does, the impact can be profound. “When I walk through a museum and get that ‘Oh my gosh’ moment, that’s the nugget of gold. We go to museums for inspiration, to take it home, and make something out of it.”
Advice for Aspiring Artists
Katie’s journey has been one of perseverance through small wins and numerous rejections. “People see all my successes and think, ‘Oh, you’re so successful,’ but they don’t see the six rejection letters in my email. This journey didn’t happen overnight. It happened in small wins. Every little bit led to the next thing.”
She emphasizes the importance of patience and timing. “Enjoy every small win and know that one art show is not going to change your life. It’s over time, connecting and building with people all over the city. It’s a lot of failure too, but it’s important to talk about those moments.”
To experience more of Katie Ruiz‘s captivating creations, visit the exhibition at J. Walcher Communications’ Sherman Heights offices, open to the public every Saturday from 1-4 p.m. between June 8 and June 29, with weekday viewings available by appointment.
Katie Ruiz, una artista chicana cuya trayectoria desde una crianza bicultural hasta convertirse en una craftivista celebrada encarna el poder transformador del arte, será el enfoque de la última iniciativa de Art, Power, Equity (APE). APE—una empresa artística que promueve la equidad, el acceso y la oportunidad en la economía creativa—anunció una serie de tres residencias de artistas este verano, continuando su asociación de “Curador en Residencia” que comenzó en 2021. Ruiz, conocida por su cautivadora mezcla de pinturas, esculturas de fibra y su innovadora iniciativa comunitaria, el Pompom Project, será la protagonista de este esfuerzo colaborativo. En esta entrevista, comparte sus experiencias, luchas y la evolución de su visión artística, enfatizando la importancia de la comunidad y la colaboración.
Abrazando la Diversidad Cultural a Través del Arte
El trasfondo de Katie como artista chicana está profundamente entrelazado con su trabajo. Ella rastrea sus raíces hasta Los Ángeles, donde pasó sus primeros años antes de mudarse a Arizona a la edad de 11 años. Criada en un entorno bicultural con una madre de ascendencia europea y un padre nacido en México de Tijuana, Katie navegó las complejidades de su identidad a través de su arte. Reflexionando sobre su crianza, recuerda: “En ese tiempo, en los 90, no había Estudios Chicanos, no había nada así. Así que ni siquiera me daba cuenta de que era chicana”. La marcada diferencia en la exposición cultural entre Los Ángeles y Arizona la llevó a reconocer la ausencia de diversidad en ciertos lugares, moldeándola en lo que ella llama una “artista activista” o una “Craftivista”. El viaje de Katie como artista comenzó temprano; tomó su primera clase de dibujo a los seis años, alentada por su familia de apoyo. “Afortunadamente, mi mamá siempre apoyó cualquier sueño que tuviera”, explica. Este apoyo sentó las bases para su carrera artística, influyendo en su relación profundamente entrelazada con su herencia cultural y experiencias de vida. Como ella dice acertadamente: “Pinto lo que sé y pinto mi propia cultura y mi propia vida”.
Creciendo en un entorno bicultural, Katie navegó las complejidades de su identidad a través de su arte. “Me sentí cómoda con quien soy como persona mestiza cuando comencé a permitirme integrar el arte textil y de manualidades en la pintura. Mi trabajo ahora muestra todas las partes de mí y los dones de tejer, crochet, pintar, probar alfombras—todo”.
Rompiendo Estereotipos y Creando Espacio para la Autenticidad
Su arte desafía las normas tradicionales y anima a otros a encontrar su voz. “La gente a veces me llama valiente, pero creo que se trata de romper mis propias reglas y cajas. ¿Por qué tengo que convertir el ovillo de lana en una manta? ¿Por qué no puede ser hermoso tal como es?” Ella continúa: “Solía pensar, tengo que convertir esto en algo, o esto tiene que convertirse en una pintura, o no es valioso a menos que le dedique 300 horas y sufra. Como artista, la gente siente que tienes que sufrir. Romper todos esos estereotipos extraños que realmente no nos sirven es liberador. También es importante en mi propia vida mientras crezco como persona”, reflexiona Katie.
Su viaje como artista ha sido uno de cuestionar constantemente y redefinir las normas establecidas. Ella afirma: “Tratar de ser una mejor persona rompiendo los sistemas aprendidos que acepté toda mi vida—¿Es eso realmente cierto? ¿Estoy de acuerdo con eso? ¿Es correcto para mí? Y muchas veces, la respuesta es no”.
El Poder de la Comunidad en el Arte
La creencia de Katie en el poder de la comunidad es central en su práctica artística. “Otra regla tonta que tenía era que tenía que estar sola en mi estudio todo el tiempo haciendo trabajo y tenía que sacrificar todo para ser artista. Luego, Mesa College y el Museo de Oceanside me pidieron que hiciera lo que estaba haciendo en casa a una escala mayor. Dije: ‘Sí, pero voy a necesitar ayuda. No hay forma de que pueda hacer 1,000 pompones sola'”.
Esto llevó a la realización de la importancia de la comunidad en el arte. “El proyecto del pompón me mostró que no sabía cuán importante era esa comunidad. La pandemia llegó, y pivotamos a kits para llevar a casa y reuniones por Zoom. La gente en casa haciendo pompones se sintió bien al hacer algo para alguien más, trabajar juntos en un proyecto más grande. Fue sanador”.
Katie describe el profundo impacto que esto tuvo en ella y en los demás: “La gente comenzó a agradecerme, abrazarme, llorar—literalmente sanando al hacer pompones. Esto es más grande que yo. Esto es para la comunidad. Todos lo necesitábamos. Necesitamos conectarnos, necesitamos comunicarnos. Esa es la intervención. Es realmente difícil herir o matar a alguien que es tu vecino”.
Inspiración e Inclusividad
Las instalaciones de Katie no solo se tratan del proceso de creación, sino también de inspirar a quienes las presencian. “Cuando la gente ve la instalación, es divertida y alegre. La lana es suave, y la suavidad te ayuda a ser suave. Es colorida y peluda, y cuando escuchan que mucha gente ayudó a crearla, quieren involucrarse”.
Ella entiende que no todas las obras de arte resonarán con todos, pero para aquellos que lo hacen, el impacto puede ser profundo. “Cuando camino por un museo y tengo ese momento de ‘Oh Dios mío’, ese es el nugget de oro. Vamos a los museos para inspirarnos, llevarlo a casa y hacer algo con ello”.
Consejos para Artistas Aspirantes
El viaje de Katie ha sido uno de perseverancia a través de pequeñas victorias y numerosos rechazos. “La gente ve todos mis éxitos y piensa, ‘Oh, eres tan exitosa’, pero no ven las seis cartas de rechazo en mi correo electrónico. Este viaje no ocurrió de la noche a la mañana. Ocurrió en pequeñas victorias. Cada pequeño paso llevó al siguiente”.
Ella enfatiza la importancia de la paciencia y el timing. “Disfruta cada pequeña victoria y sabe que una exposición de arte no va a cambiar tu vida. Es con el tiempo, conectando y construyendo con personas en toda la ciudad. También es mucho fracaso, pero es importante hablar de esos momentos”.
Para experimentar más de las cautivadoras creaciones de Katie Ruiz, visite la exposición en las oficinas de J. Walcher Communications en Sherman Heights, abiertas al público todos los sábados de 1-4 p.m. entre el 8 y el 29 de junio, con visitas entre semana disponibles con cita previa.
Article by Pollyana Ramos Tucker